The Place Beyond the Pines  

Ryan Gosling

Tiens, voilà un revenant, me direz-vous, en lisant cet article. Eh bien oui, le cinéma ne me motivait plus tant que cela ces derniers temps, j’étais pris par d’autres projets, toujours dans l’écriture, mais beaucoup plus personnels. Je reviens, donc, avec une chronique sur deux films qui m’ont particulièrement marqué cette semaine, en particulier La Religieuse de Nicloux, aussi formidablement interprété par une (quasi)novice, Pauline Etienne, que servi par une pléthore de seconds rôles majestueux, de Marc Barbé à Isabelle Huppert en passant par Agathe Bonitzer et Gilles Cohen…

Pourquoi comparer deux films qui n’ont à priori rien à voir ? Bonne question. The Place Beyond the Pines est une vaste saga américaine et familiale qui s’étend sur quinze ans et raconte les parcours antinomiques, dans un bled paumé de l’Etat de New-York, de Luke (Ryan Gosling, toujours aussi à l’aise dans la peau de personnages à côté de leurs pompes pour ne pas dire mutiques après Drive et Une fiancée pas comme les autres) et Avery Cross (Bradley Cooper). Luke, motard et cascadeur occasionnel pour un cirque, va devenir un redoutable braqueur de banques pour subvenir aux besoins du fils qu’il a eu avec une ex (la toujours aussi sensuelle Eva Mendes) dont il est toujours amoureux. Avery est au contraire un flic ambitieux d’abord désireux de lutter contre la corruption qui gangrène son service avant de vouloir rentrer en politique. C’est lui qui aura la peau de Luke avant que quinze ans plus tard, les fils respectifs de ces deux-là ne deviennent amis, sans se douter du terrible passé qui les lie.

Pauline Etienne et Isabelle Huppert

De part en part traversé par un souffle épique et tragique inspirés de James Gray (sans jamais atteindre la grandeur de son style) que renforcent les superbes compositions de Mike Patton, The Place beyond The Pines vaut surtout par le jeu de ses deux acteurs principaux et l’ambition de son réalisateur. Aux élans mystiques de Luke, personnage tout en rédemption mais qui fera les mauvais choix pour sauver sa famille de la banqueroute, s’opposent ceux beaucoup plus païens de Suzanne, religieuse française embrigadée de force dans un couvent au XVIIIème siècle pour y devenir nonne alors qu’elle rêvait de vivre dans le monde et connaître des plaisirs terrestres. Sans doute Luke et Suzanne partagent-ils, au-delà de leurs aspirations opposées, le même désir de salut pour leur âme.

Pauline Etienne

Adapté du roman éponyme et en épisodes, publié à titre posthume en 1796 (ce qui n’altéra en rien le scandale qu’il produisit) par Denis Diderot (1713-1784), La Religieuse raconte les souffrances morales et physiques de Suzanne, provoquées par les humiliations et autres mauvais traitements infligés par ses consœurs et notamment la cruelle et malveillante Mère Supérieure du couvent Sainte Marie, jouée par Louise Bourgoin. Le destin tragique de Suzanne, dont la seule faute est d’être née fille illégitime, est retracé avec fidélité et précision par Guillaume Nicloux. On se souvient que La Religieuse était une charge violente contre l’Eglise et les méthodes de punitions corporelles qu’elle appliquait aux soeurs réfractaires, pourtant contraires aux inspirations et à la vocation de l’Eglise. Le film de Nicloux ne déroge pas au roman du philosophe des Lumières. Il n’enlève rien non plus à la dimension polémique du livre, puisque comme on le sait, les épisodes les plus provocants du livre culminent lorsque Suzanne, qui a pu changer de couvent par l’entremise d’un avocat ému par sa cause, se fait séduire par La Mère Supérieure de Saint Eutrope (Isabelle Huppert, toujours aussi à l’aise dans des rôles ambigus pour ne pas dire malsains) qui l’exhorte à l’embrasser, ce que la chaste Suzanne se refusera à faire, outrée pour ne pas dire dégoûtée avant de devenir indifférente aux avances de sa Mère Supérieure qui en deviendra folle.

N’ayant pas vu – et ne pouvant donc pas comparer – l’adaptation de Rivette de La Religieuse  en 1967, je louerais donc à nouveau le jeu tout en intériorité, tout en émotions et en ressentis de la jeune Pauline Etienne, bien épaulée sur ce coup-là par les excellents seconds rôles cités plus haut comme par les compositions de Max Richter. Un film tout en finesses. A ne pas manquer donc, comme on dit…

http://www.youtube.com/watch?v=ltF5o9dfp34

La Religieuse, film français de Guilluame Nicloux avec Pauline Etienne, Isabelle Huppert, Louise Bourgoin… (01 h 54)

The Place Beyond the Pines, film américain de Derek Cianfrance Derek Cianfrance avec Bradley Cooper, Ryan Gosling, Eva Mendes (02 h 20)

Ben Affleck et Rachel McAdams

Au Mont-Saint-Michel (surnommé La Merveille), Neil (Ben Affleck) et Marina (Olga Kurylenko) filent le parfait amour. Du moins en apparence. Neil est un ingénieur américain basé dans l’Oklahoma tandis que Marina est une jeune Ukrainienne, installée à Paris et mère d’une petite fille de 10 ans. Mais lorsque Marina et Neil décident de s’installer ensemble aux États-Unis, les problèmes commencent. Marina et sa fille ont du mal à s’acclimater à la vie dans la petite communauté de Bartlesville tandis que Neil lui-même a l’air indécis, comme si la vie en couple semblait avoir figé, brisé quelque chose en lui. Envolées la fraîcheur et la jouvence originelles de son amour. Marina se rapproche alors de Quintana (Javier Bardem), un prêtre d’origine espagnole qui comme elle, a vécu le déracinement. Quintana se veut très proche des habitants mais semble douter lui-même de sa vocation comme de son amour en Dieu…

Un film de Terrence Malick ne laisse jamais indifférent. Son sixième long-métrage (seulement) n’échappe pas à la règle même s’il est loin d’égaler la puissance lyrique de La ligne rouge ou la beauté de Les moissons du ciel.

Construit (à nouveau) comme une sorte de long rêve et de poème solaire dont on suit chronologiquement les évènements et dont la voix-off constitue autant de monologues des protagonistes que le reflet de leurs questionnements métaphysique et amoureux, A la Merveille (pourquoi avoir traduit le titre original To the wonder ?) entremêle les destins de plusieurs personnages issus de divers origines et qui vont se croiser, se frôler, s’aimer ou se rater mais confier à chaque fois leurs inquiétudes et leurs espoirs, le tout sur un fond social qui est une nouveauté chez Malick, revenu filmer non pas dans cette bourgade charmante de Waco (Texas) dont il est originaire mais pas loin, dans l’Oklahoma, et un bled tout aussi paumé : Bartlesville.

Bartlesville, lieu de perdition, ville polluée par les usines environnantes sur lesquelles Neil enquête en bon ingénieur de l’environnement qu’il est. La nouveauté chez Malick, c’est de montrer cette face cachée de l’Amérique, avec ses paumés, ses drogués, ses fauchés, ses déshérités. Tous ces « losers magnifiques », ces  » fleurs sacrées » que Kerouac a si bien décrits et su magnifier dans ses livres.

Olga Kurylenko

Comme souvent chez Malick, la photographie est superbe, les plans non moins somptueux, à l’image du visage rayonnant, baigné de soleil d’Olga Kurylenko, courant en zigzag sur le sable ou dansant, heureuse et insouciante, chez Neil, dans la rue ou dans un supermarché. C’est l’Amour. l’Amour avec un grand A avant que le destin ne s’en mêle et que tout se complique.

Tous les éléments du cinéma de Malick sont là : l’omniprésence du soleil, l’attrait pour les champs de blé, pour les champs et contrechamps, les cous coupés, visages tendus métaphoriquement et symboliquement tantôt vers le ciel tantôt vers la terre. La voix-off de Marina confie d’abord son bonheur avant que ne vienne le désespoir. Comme Neil, Marina ne comprend pas pourquoi son histoire d’amour part à vau-là, elle qui avait si bien commencé. En se rapprochant du prêtre Quintana, lui-même en plein doute sur Dieu, Marina espère résoudre et démêler les fils d’une relation mal engagée alors qu’elle était si bien partie.

Javier Bardem

Comme dans The tree of Life, A la merveille évoque un rapprochement avec Dieu de son réalisateur. Des questions sur la croyance, la religion que Malick semble se poser de plus en plus en vieillissant. Seul hic, c’est que dans A la merveille, il y a un certain nombre de redites par rapport à The tree of Life. Des redites comme des longueurs, des plans trop répétitifs voire redondants sur Marina errant dans Bartlesville. Il y a des moments de grâce dans A la merveille, mais ils sont rares.

Car Malick se perd un peu dans un trop grand nombre de thématiques qu’il voudrait aborder : amour, religion, écologie, social, etc… Le réalisateur américain n’en fait-il pas un peu trop, ne se mélange-t-il pas les pinceaux en voulant parler de tout et de n’importe quoi, ce qui a pour don de diluer l’intrigue et affaiblir la tension du film ? On aurait aimé par exemple que le scénario reste centré sur cette histoire d’amour entre deux êtres qui s’aiment passionnément mais ne parviennent pas à vivre ensemble. Car là était le vrai sujet du film.

Tree of life était un film autobiographique, n’en déplaise à son réalisateur, ce qui le rendait émouvant. Moins personnel, A la merveille en perd de sa force.

Quant au personnage joué par Ben Affleck, souvent filmé de dos, il est ce qu’il y a de plus intriguant finalement dans le film, de plus mystérieux. Neil est un personnage complexe, d’autant plus étrange dans son comportement qu’il est souvent taiseux voire silencieux. On ne sait pas trop ce qu’il pense. Sans doute est-il amoureux fou de Marina mais son installation avec elle aux Etats-Unis semble avoir raidi ses ardeurs, glacé quelques chose en lui. Comme s’il était devenu froid soudain, hermétique à un amour qu’il ne parvient plus à donner. Sa brève idylle avec une ancienne amie (Rachel McAdams) ne changera rien à son dilemme ni à son malheur. La principale force du film est là, dans sa subjectivité, la foule d’interprétations que ce personnage offre.

Quant à Malick, dont on a ouï dire qu’il a trois nouveaux films déjà en post-production et sur le feu (soit la moitié des films qu’il a réalisés en quarante ans de carrière !), gageons qu’il retrouve un peu d’inspiration et qu’un vent nouveau souffle sur sa plume. C’est tout le mal qu’on lui souhaite. Et l’impatience qu’A la merveille suscite…

http://www.youtube.com/watch?v=H4dI99GPF4w

Film américain de Terrence Malick avec Ben Affleck, Olga Kurylenko, Rachel McAdams (01 h 52)…

Scénario de Terrence Malick : 

Mise en scène : 

Acteurs : 

Compositions d’Hanan Townshend : 

Bruce Willis

Titre original : Looper (U.S.A., 2012)

Durée : 01 h 50 min

Sorti à la vente en DVD et Blu-Ray le 06 mars 2013

Sorti en salles le 31 octobre 2012

Distributeur : SND Editeur DVD : M6 Vidéo

Edition : Keep Case, PAL, Tous publics.

Région : 2

Prix public conseillé : 17,99 euros

Langues : Anglais, Français.

Sous-titres : Français

Format son : Anglais Dolby Digital 5.1, Français Dolby Digital 5.1

Format image : Format 16/9 compatible 4/3, Format cinéma respecté 2.35, Format DVD-9, Film en Couleurs

Bonus DVD :

Commentaires audio de Rian Johnson, Joseph Gordon-levitt et Emily Blunt
La boucle est bouclée
Making of
Scènes coupées
La bande annonce alternative
L’atmosphère musicale

Bonus Combo DVD – Blu-Ray :

Interview de Rian Johnson
Master Class parisienne
La boucle est bouclée
Making of
22 scènes coupées
Les voyages dans le temps
Commentaires audio de Rian Johnson, Joseph Gordon-levitt et Emily Blunt
La bande annonce alternative

Virginie Efira et Pierre Niney

A Paris, Alice Lantins (Virginie Efira), 38 ans, est écrivain et travaille pour le magazine de mode « Rebelle » dont elle rêve de devenir la prochaine rédactrice en chef. Seul hic, sa cote de popularité est en déclin, notamment auprès de son patron Vincent (Gilles Cohen). Il faut dire que depuis son divorce (elle est mère d’une petite fille), Alice s’est repliée sur elle-même. Coincée pour ne pas dire un brin psycho-rigide, la bientôt quadragénaire accuse le coup. Un jour, elle rencontre, sur un vol d’affaires retour du Brésil, le beau et charmant Balthazar (Pierre Niney), étudiant en architecture, âgé de seulement 20 ans. Alice se fait alors souffler à l’oreille que sortir avec le jeune homme lui permettrait sûrement de redorer son blason auprès de son chef. Et d’obtenir sa promotion…

Belle surprise que cette comédie au ton tantôt léger, tantôt grave voire grinçant. Co-écrite et réalisée par un jeune réalisateur plutôt habitué aux films d’horreur (The Eye, 2008, Ils, 2005), 20 ans d’écart est une comédie « douce-amère » dans laquelle on ne rit pas aux éclats, mais qui touche principalement par le jeu tout en finesse du duo interprété par Pierre Niney (à nouveau drôle et excellent) et Virginie Efira, à l’aise et convaincante…

Virginie Efira

Pourtant, la lenteur du rythme et de la mise en scène laissait craindre le pire au début du film et qu’on n’allait pas rire aux éclats mais plutôt s’ennuyer. Il n’en est rien. L’intrigue se concentre autour d’une belle (et encore jeune) blonde ambitieuse à court d’idées pour passer un échelon dans son travail. Au delà du jeu irréprochable d’Efira (dans le rôle de l’arroseuse arrosée) et de Niney, le film tire sa force de son scénario. 20 ans d’écart, c’est l’histoire d’une pseudo-liaison amoureuse qui va en devenir une vraie. Le ressort de cette comédie romantique, c’est la relation faussée (puisque basée sur un mensonge) qui s’instaure entre Balthazar et Alice. Alice a fait croire à Balthazar qu’elle a succombé à son charme alors que ce dernier est vraiment tombé amoureux d’elle. Cette ambiguïté est la clef de voûte du scénario et l’une des raisons principales de la réussite du film. Si 20 ans d’écart n’est pas une comédie immémorable, elle est assez pétillante, drôle voire émouvante par endroits (car bien jouée) pour mériter le détour.

C’est une comédie gentille, certes « mignonne » et pleine de bons sentiments mais qui pose ça et là des questions plus graves, plus grinçantes sur le côté artificiel des milieux de la mode et de l’art contemporain par exemple ou sur la solitude des hommes et des femmes à l’aube (ou pas) de  la quarantaine. 20 ans d’écart n’a pas été tourné en numérique mais à l’aide d’une caméra 35 mm anamorphique datant des année 1950, ce qui confère à l’image un grain rétro, une beauté pastique et un charme désuets que renforce le Ain’t that a kick in the head de Dean Martin à la fin du film. Tout, de la photographie, confiée à Laurent Tanguy, aux tenues de Virginie Efira, renvoie à l’élégance des comédies romantiques américaines, en noir et blanc, des années 1950. On est dans une sorte d’hommage (ne manqueraient plus que les apparitions de Cary Grant et d’Audrey Hepburn) qui n’empêche pas à 20 ans d’écart de trouver son ton personnel tout en étant bien ancré dans son temps avec cette histoire de « cougar » et d’amour improbable qui, par le biais d’une entente parfaite entre Niney et Efira, devient crédible.

Si l’on ajoute la présence de seconds rôles savoureux (Charles Berling en père soixante-huitard et je-m’en-foutiste ou Gilles Cohen en patron de magazine efféminé et superficiel), on est là face à ce qui s’appelle une comédie parfaitement ficelée, pesée et emballée…

http://www.youtube.com/watch?v=FeKmAgyyP6M

Film français de David Moreau avec Virginie Efira, Pierre Niney, Charles Berling, Gilles Cohen… (01 h 32)

Scénario de Amro Amzawi et David Moreau :

Mise en scène : 

Acteurs : 

Compositions de Guillaume Roussel : 

Aux États-Unis, à l’occasion du traditionnel « spring-break » (vacances de printemps), quatre jeune filles décident de braquer un fast-food pour se payer un « séjour de rêve » en Floride, ou tous les abus (d’alcool) seront permis. Un jour, les quatre amies rencontrent « Alien » (James Franco), un petit malfrat local sous la coupe duquel elles tombent. Mais Faith, la brune du groupe, est inquiète de la tournure que prennent les évènements, et décide de quitter l’aventure tandis que les trois autres restent. Avec « Alien », les trois filles dévergondées et déjantées se mettent au petit banditisme, puis au grand, beaucoup plus enivrant que l’alcool ou la drogue.

Autant ne pas y aller par quatre chemins : Spring Breakers est un film raté. Raté et agaçant. C’est comme si il y avait deux films dans Spring Breakers. L’un consisterait en un film à caractère documentaire et sociologique qui décrirait fidèlement (mais avec un art de la répétition qui tourne à l’ennui) le phénomène des spring breaks, ces orgies estudiantines à base de sexe, de drogues et d’alcools à plus de 50 °, l’autre serait une fable beaucoup plus morale et ironique (pour ne pas dire cynique) sur la vanité de ces « spring breaks » et le grand n’importe quoi qu’ils engendrent. Le grand n’importe voire carrément le basculement dans la folie pour ces trois filles au départ frivoles et désireuses de s’éclater mais qui vont vraiment « prendre leur pied » dans le crime. Quel rapport entre les deux films ? Quelle morale ? Est-ce en cherchant à s’enivrer et une forme d’extase absolue qu’on en arrive à tuer ? Est-ce que seul le meurtre procure un vrai plaisir, un plaisir d’ordre sexuel ? Un peu courtes comme explications mais ce sont les seules qu’on nous fournira…

James Franco

Le problème de Korine, c’est qu’il mélange tout ; sexe, religion, alcool, etc.. Faith, par exemple, la plus jeune du groupe, est aussi la plus réticente et la plus apeurée. Elle n’a pas participé au braquage. C’est une croyante et une pratiquante catholique dure sans que l’on comprenne ce que la religion peut avoir à faire dans cette histoire.

Dans les deux films qui constituent Spring Breakers, Korine, à force d’effets de mise en scène, passe à côté de son sujet. Pendant la première moitié du film, soit quarante cinq minutes, la mise en scène est tape-à-l’œil, tout en effets sonores et visuels, et privilégie le spectaculaire. Les orgies des étudiants dans des hôtels ou sur la plage sont filmées tout en ralentis et sur fond de musiques hip-hop. Les filles s’époumonent en montrant leurs seins ou leur majeur à la caméra, etc… Rien de nouveau ni de très palpitant sous le soleil. On pense à un mélange de Projet X et de clips pour la marque Adidas (ceux avec Beckham ou Snoop Dogg), le tout dans des lumières et des couleurs chaudes. Mais en réalité, on ne saisit pas trop les intentions ni le sens de cette mise en scène qui s’appuie sur du déjà-vu et des clichés qui ne dépassent pas ceux de Projet X, l’humour et l’originalité en moins.

Peut-être Korine, proche de Larry Clark, a-t-il voulu capter et retranscrire littéralement – et donc de manière grinçante – toute la vulgarité et la futilité de ces fêtes mais sa mise en scène, toute en redondance et en redites, ne parvient jamais à dépasser la superficialité ni la vanité de ce qu’elle dénonce. Surtout, ces scènes d’orgie sont interminables…

Spring Breakers est construit comme un rêve. Un rêve ou un jeu vidéo qui est celui que ces jeunes filles ont fait de « vouloir vivre à fond » leur jeunesse.

Si les quarante cinq premières minutes ne nous disent pas grand-chose, la suite est au contraire beaucoup plus épique et mémorable. Lorsque James Franco débarque, absolument pas crédible pour ne pas dire risible (est-ce voulu ?) en truand minable fan de Scarface (encore un cliché), coiffé de dreads et paré d’une fausse dentition en argent (et on ne vous parle pas de l’intérieur de sa maison), on rit carrément aux éclats. Les blondinettes vulgaires tombent – sans que l’on sache pourquoi – sous son charme et les voilà qui fondent ensemble un quatuor criminel de choc qui se met à braquer tous les étudiants ivres ! Ridicule ou hallucinant, c’est selon et c’est peut-être voulu, mais on n’y croit pas une seconde. Au moins pourra-t-on rire devant cette scène mythique ou déguisées, armées et encagoulées façon guerilla girls, les trois nymphes dansent en rond à côté d’un Alien bienheureux reprenant une chanson de Britney Spears au piano et au bord de sa piscine, sur fond de soleil couchant. Le grotesque ne tue pas, mais l’absence de sens (pardon, la difficulté à en trouver un) si parfois. A moins qu’on soit passé à côté d’une œuvre géniale.

Là où le film souffre le plus, et là ou on en attendait davantage, c’est dans son manque d’explications sur le mécanisme, le processus psychologiques qui amènent trois jeunes filles à devenir des tueuses. Certes, on a compris qu’elles voulaient « s’éclater » mais de là à assassiner de sang-froid… Tout paraît un peu gratuit dans Spring Breakers, rien n’est approfondi ou décrit de manière assez intimiste pour justifier ou qu’on s’explique une telle avalanche de meurtres. Même si l’on soupçonne, comme on l’a dit plus haut, Korine d’un certain cynisme, c’est surtout son indigence qui ressort de ce film. L’indigence et pour le spectateur, l’agacement voire la consternation devant tant d’inepties…

http://www.youtube.com/watch?v=EvlGXNOtd2E

Film américain d’Harmony Korine avec James Franco, Vanessa Hudgens, Selena Gomez, Ashley Benson et Rachel Korine (01 h 32)

Scénario d’Harmony Korine :

Mise en scène : 

Acteurs : 

Compositions de DJ Skrillex et Cliff Martinez : 

 

Gael Garcia Bernal

Sans conteste, l’un des meilleurs films et des plus attendus de la semaine, No du jeune réalisateur chilien Pablo Larrain revient sur la vie de René Saavedra (Gael Garcia Bernal), génial publicitaire chilien qui, à la fin des années 1980, créa une campagne révolutionnaire basée sur l’alegria, la joie en espagnol, un argument pour le moins désarçonnant mais qui s’avéra efficace pour voter en masse contre la réélection de Pinochet (1915-2006) et faire chuter le dictateur au référendum de 1988.

Troisième volet d’une trilogie consacrée à la dictature d’Augusto Pinochet, après Tony Manero et Santiago 73, Post Mortem, No s’inspire de faits réels mais aussi plus librement de la pièce, jamais publiée, Référendum de l’écrivain chilien exilé Antonio Skármeta. Le père de Pablo Larraín, ancien opposant de Pinochet, est un sénateur et une figure importante de la droite chilienne tandis que sa mère est une ancienne ministre, ce qui lui avait sans doute donné certaines prédispositions…

Utilisant les quinze minutes de spots télévisuels quotidiens accordées à l’opposition démocratique, le jeune et brillant publicitaire René Saavedra, choisi par l’opposition pour créer une campagne en faveur du Non au référendum de 1988, va s’employer à convaincre les 76 % d’abstentionnistes de prendre part au débat politique.

Tourné avec quatre caméras des années 1980, ce qui confère à l’image un grain « sale » et épais, No retrace, un peu à la manière d’un thriller, le suspense autour de cette campagne tendue pour la victoire du Non au référendum de 1988, qui marquera un tournant historique pour le Chili. Entre courage politique et peur pour ses proches, intimidations et audace du jeune publicitaire (au départ peu investi, il devient un farouche opposant à Pinochet), violences verbales et attaques physiques contre les opposants au Oui (Pinochet est pourtant alors très surveillé par l’opinion internationale), No est un film haletant et passionnant. On suit ainsi le parcours professionnel comme la vie intime de celui qui, à lui seul, et par le seul biais d’une campagne publicitaire, parvint à faire chuter une dictature.

Très étayé, No tient sa réussite de son mélange précis, son alchimie réussie entre documentaire (spots publicitaires, jingles repris de l’époque) et fiction.

Foisonnant, tourné dans un format carré qui constitue une autre de ses originalités, No est joué par un extraordinaire Garcia Bernal (Carnets de voyage, 2004). De tous les plans, l’acteur mexicain (né en 1978) est un acteur comme un personnage fascinants pour celui qui a eu la chance de le croiser, lors de l’avant-première du film, en février dernier à Paris.

Désopilant dans ses choix (on ne sait jamais où l’attendre), le comédien et producteur (Babel) choisit souvent des personnages très « politiques », des leaders charismatiques qui portent en eux un militantisme teinté de pacifisme. On se souvient par exemple de son rôle dans l’excellent Même la pluie d’Icíar Bollaín. Mais le plus étonnant tient dans cette contradiction que Garcia Bernal peut-être à la fois cet acteur adulé (n’est-ce pas, mesdames ?), populaire et courtisé dans le monde entier comme un acteur qui choisit ses personnages avec une exigence rare, aussi rare finalement que ses apparitions au cinéma.

Si No est aussi enthousiasmant, c’est parce qu’il est un film prolifique, riche en enseignements sur l’histoire récente et tragique du Chili. Un Chili qui put un jour décider de son sort. Enfin. Mais il y a à peine 25 ans…

http://www.youtube.com/watch?v=BviNE0C_TuI

Film chilien, américain de Pablo Larraín avec Gael García Bernal, Antonia Zegers… (01 h 57)

Scénario de Pedro Peirano, Eliseo Altunaga d’après le livre d’Antonio Skarmeta : 

Mise en scène : 

Acteurs : 

Dialogues : 

Titre original : Bond 23 (U.S.A., Grande-Bretagne, 2012)

Durée : 02 h 23 min

Sorti à la vente en DVD et Blu-Ray le 1er mars 2013

Sorti en salles le 26 octobre 2012

Distributeur : Sony Pictures Editeur DVD : Fox Pathé Europea (FPE)

Edition : Keep Case, PAL, Tous publics.

Région : 2

Prix DVD public conseillé : 19,99 euros (Blu-ray : 24,99 euros).

Langue : Anglais

Sous-titres : Français, Anglais.

Format son : Anglais, Français DTS 5.1

Format image : Format 16/9 compatible 4/3, Format cinéma respecté 2.40, Format BD-50, Film en Couleurs

Bonus DVD et Blu-ray :

- Scène d’ouverture : La mort de Bond 
- 007 : Le retour de James Bond
- Q : Retour aux bases
- Aston Martin DB5 : Le mythe
- Les Femmes de James
- Dans l’ombre des méchants
- Les lieux de tournage : Permis de voyager
- La musique
- M – Les changements
- L’avenir – De nouveaux commencements
- L’avant première de Skyfall
- Commentaires du réalisateur et des producteurs

1/ 5 caméras brisées d’Emad Burnat et Guy Davidi 

2/ Des Abeilles et des Hommes de Markus Imhoof 

3/ Shadow Dancer de James Marsh  

4/ Flight de Robert Zemeckis  

5/ Happiness Therapy de David O. Russell 

Jean Dujardin et Cécile de France

Gregory Lioubov (Jean Dujardin), un officier de la FSB (les services secrets russes), est envoyé à Monaco pour espionner Rostovski (Tim Roth), un oligarque dont on se méfie bien évidemment au pays de Poutine. Pour l’aider dans sa mission, Lioubov et son équipe engagent Alice (Cécile de France), une crack de la finance à qui ils proposent, en échange de « menus » services de renseignements, de pouvoir retourner en Amérique du Nord dont elle rêve mais où elle est en disgrâce depuis qu’elle y a causé la faillite de Lehman Brothers. Pressentant qu’Alice va être « grillée », Lioubov brise une règle d’or au FSB et rentre en contact avec la jeune et belle tradeuse, se faisant passer pour un biographe. Mais lorsqu’Alice et Lioubov tombent amoureux l’un de l’autre, la machine s’emballe. Tandis que Lioubov s’enferme dans des faux-semblants et des mensonges de plus en plus gros pour protéger Alice, cette dernière se retrouve directement menacée de mort. Sans s’en douter….

Voilà bien longtemps que l’on n’avait pas vu Eric Rochant aux manettes d’un polar. La dernière fois, c’était en 1993, avec Les Patriotes, interprété entre autres par Yvan Attal.

Cécile de France

Rochant avait ce projet en tête depuis des années. Original, le scénario, a été entièrement écrit par lui. Si Rochant avait disparu (pas totalement puisqu’il a réalisé une comédie, L’école pour tous, en 2005) de la circulation, c’est parce que Les Patriotes a été un échec commercial dont il a eu du mal à se remettre comme il a eu du mal à regagner la confiance de producteurs.

Alors que retenir de ce Möbius ? D’abord, et c’est là son atout principal, qu’il est joué par un Jean Dujardin bluffant et excellent dans la peau d’un officier russe (il parle très bien la langue au passage) que l’on croit endurci au début du film mais qui se révèle comme un personnage sensible, à la fragilité touchante. Il faut dire qu’en face de lui, il a Cécile de France, gracieuse et un brin romantique en Alice, sublime et comme souvent irréprochable. Les deux acteurs s’entendent à merveille et forment un très couple de cinéma.

Ce n’est pas tellement dans le jeu de acteurs (froid et nonchalant comme à son habitude, Tim Roth, en sosie d’Abramovich, est également très convaincant) que le polar pèche mais dans la faiblesse de l’intrigue, le manque d’enjeux du scénario.

Jean Dujardin

Certes, Möbius est une histoire d’amour nichée dans un thriller, mais les orgasmes d’Alice tirent en longueur (pardon pour la métaphore déplacée) et finissent par diluer l’intrigue d’un film dont la mise en scène n’est pas privée d’un certain charme désuet mais, tout en privilégiant les gros-plans sur les visages, s’avère très lente et manquant cruellement de rythme, de tension malgré la bonne idée des Chœurs de l’Armée Rouge…

De là à dire que Möbius est un mélo à l’histoire mince comme un ruban de Möbius (rien à voir avec feu le dessinateur de B.D.)…

Non, plus sérieusement, là où le bât blesse, c’est dans plusieurs aspects du scénario qui ne tiennent pas la route. Par exemple, lorsque Gregory Lioubov se fait passer pour Moïse, le biographe d’une maison internationale d’édition, on trouve cela étrange qu’Alice (qui est quand même une génie de la finance) ne soit pas allée vérifier une seule fois sur Internet qui il était vraiment. Certes, elle lui fait confiance mais cela n’empêche pas la curiosité…

Tim Roth

La naïveté dont Alice, encore elle, fait part aussi en acceptant d’espionner Rostovski (transformé malgré lui en Calimero et en dissident à la Boris Berezovsky) n’est pas très crédible. Ne se doute-elle pas du danger mortel qu’elle encoure en acceptant de porter un micro? Comment se fait-il qu’elle n’ait pas plus peur que cela ? On a du mal à croire qu’Alice accepte de faire tout cela juste pour retourner travailler aux États-Unis. Et encore, les agents du FSB lui ont simplement promis qu’ « ils l’aideraient »…

Dommage aussi qu’il n’y ait pas plus d’ambiguïté, de soupçon dans les rapports entre Alice et Gregory/Moïse, qui se résument à des coïts et des (trop longues) parties de jambes en l’air. Même si on ne doute pas que ces deux-là sont tombés amoureux, on aurait aimé plus de subtilité dans leurs échanges, plus d’ambivalence dans leur relation…

En somme, on retiendra surtout la vraie bonne surprise nommée Dujardin, qui à l’instar de son comparse Gilles Lellouche, a entamé une mue remarquable dans son jeu depuis Le bruit des glaçons et The Artist (on le pardonne pour le triste, beauf et macho film à sketches Les Infidèles). Dujardin campe ici un personnage au passé pour le moins trouble. Ancien voleur (« vori » en russe) et criminel ayant travaillé pour la mafia et fait de la prison avant de rejoindre le FSB, Lioubov (un nom prédestiné en russe) semble avoir été inspiré par la figure de Limonov. Dujardin a en tout cas réussi à donner à ce Russe une épaisseur psychologique (et musculaire !) de bonne augure pour la suite. Bien loin d’OSS 117 donc…

http://www.youtube.com/watch?v=4-Vayo5Bmnw

Film français d’Eric Rochant avec Jean Dujardin, Cécile de France, Tim Roth (01 h 43).     

Scénario d’Eric Rochant :  

Mise en scène :  

Acteurs : 

Dialogues :  

Compositions de Jonathan Morali : 

Saskia Rosendahl

Adaptation du roman de la Britannique Rachel Seiffert The Dark Room (2001), Lore de Cate Shortland est une fiction anglo-germano australienne qui narre le destin tragique d’une adolescente allemande à la fin de la seconde guerre mondiale. Fille d’un officier SS obligé de fuir et d’abandonner femme et enfants, Lore se retrouve bientôt en pleine forêt noire, avec à sa charge et sur les bras deux petits frères, sa sœur et un bébé. Leur mère les a en effet abandonnés à son tour à leur sort, prétextant qu’elle partait à Hambourg rejoindre (en éclaireuse) leur grand-mère. Lore et ses frères et sœur entreprennent alors un périlleux voyage dans la forêt, direction le Nord de l’Allemagne. En chemin, ils rencontrent Thomas, un curieux et mutique jeune homme qui se met à les suivre. Lore éprouve à la fois du dégoût et de la fascination pour ce jeune Juif. A mesure que l’adolescente découvre son corps, une sensualité nouvelle et inconnue monte en elle, un désir et une attirance étrange pour Thomas, qu’elle ne parvient pas à identifier, encore moins à contenir. A l’éveil de ses sens, à la découverte de son corps répondent une éclosion et un passage accélérés de l’adolescence à l’âge adulte pour la jeune femme. Effrayée, inquiète quant au sort de ses parents qui ont disparu, Lore doit d’abord lutter pour sa survie et celle de ses frères et sœurs, dans un milieu et une nature hostiles et dangereux. Pourra-t-elle compter sur l’aide de Thomas et lui faire confiance, lui qui n’arrête pas de la regarder en coin…

Kai Malina

De Lore, on retiendra d’abord le grain épais de l’image. L’ambiance sombre comme la pellicule bleutée collent bien aux ambiances nocturnes de la forêt noire. La mise en scène très (trop parfois ?) stylisée de la réalisatrice australienne se caractérise par une grande attention portée à la nature, à l’organique, en un mot à ce qui peut encore paraître vivant dans cette grande misère, cette grande tristesse de fin de guerre.

Sa caméra privilégie tantôt les gros plans, tantôt les ralentis, aime à effleurer les peaux, caresser les visages pour mieux saisir les sentiments, les sensations qui s’y impriment. On retiendra une abondance de plans, une succession de séquences très courtes, plans fixes sur la nature à l’aube ou au crépuscule, gros plans dans le cou de Lore, etc…. Ce sont les silences qui dictent souvent les sentiments des personnages et ce désir érotique qui monte entre Lore et Thomas mais que la jeune femme, peu habituée à de tels élans, essaye de retenir.

Un brin maniéré parfois dans sa mise en scène, Lore vaut néanmoins le détour pour le jeu sans failles de ses acteurs et l’originalité de son projet. C’est vrai, pourquoi cette histoire ? Qu’est-ce qui a pris à une réalisatrice australienne de se repencher par le biais de la fiction sur une Histoire vieille de 70 ans et qui concernait un pays si éloigné du sien ? Sans doute que derrière la fiction se cache un devoir de mémoire, pour que l’on n’oublie jamais ce qu’a été l’Holocauste et qu’elle ne revienne jamais. C’est aussi un des enjeux du film. Lorsque les protagonistes découvrent avec horreur les photos de charniers placardées sur les murs, images atroces de corps mutilés, nus, entassés et décharnés, il émane de leur regard un recul qui semble beaucoup plus contemporain et être celui de la réalisatrice que celui de l’époque …

http://www.youtube.com/watch?v=5dmrVkh5R-Y

Film germano-britano-australien suisse de Cate Shortland (01 h 48)

Scénario de Cate Shortland d’après le roman de Rachel Seiffert : 

Acteurs : 

Mise en scène : 

Compositions de Max Richter :